Arte Madí y Concreto Invención

http://revista.escaner.cl/node/1331

http://www.kosice.com.ar/esp/manifiesto-madi.php

Antonio Berni y el arte de denuncia:

Antonio Berni y el arte de denuncia:

Antonio Berni es considerado uno de los pintores argentinos más relevantes del siglo XX, no sólo por su talento, sino también por sus técnicas innovadoras y gran compromiso social. Cuando, en 1960, poco se hablaba de la importancia del reciclado para la conservación del medio ambiente, Berni ya utilizaba en sus obras papel, madera, cartón y deshechos, que recolectaba en basurales y distintos centros urbanos. No lo hacía con un fin ecologista: reciclar desechos para convertilos en arte era su modo de despertar la conciencia social acerca de la situación de pobreza y marginalidad en la que vivían miles de argentinos por aquellos años.

Juanito Laguna:
"…Yo, a Juanito Laguna lo veo y lo siento como arquetipo que es; arquetipo de una realidad argentina y latinoamericana […] Juanito Laguna no pide limosna, reclama justicia; en consecuencia pone a la gente ante esa disyuntiva; los cretinos compadecerán y harán beneficencia con los Juanitos Laguna; los hombres y mujeres de bien, les harán justicia. De eso se trata. […]. Los Juanitos Laguna han enriquecido a mucha gente y también a mí; pero yo no los he explotado, yo estoy reivindicándolos. ¿Quiénes han hecho a la Argentina, eh? La masa trabajadora, todo ese pueblo que ha puesto el hombro para hacer un país, con su sacrificio y su trabajo; lo han hecho los Juanitos Laguna que, apenas sus fuerzas se lo permiten, van a trabajar a las fábricas, al campo, donde sea."(Antonio Berni, escritos y papeles privados)


"...Yo a Juanito y a Ramona los hice precisamente en collage, con materiales de rezago, porque era el entorno en que ellos vivían; y así no apelaban justamente a lo sentimentalista. Yo les puse nombre y apellido a una multitud de anónimos, desplazados, marginados niños y humilladas mujeres; y los convertí en símbolo, por una cuestión exactamente de sentimiento. Los rodeé de la materia en que desenvolvían sus desventuras, para que, de lo sentido, brotara el testimonio."

Juanito Laguna es el niño pobre de las grandes urbes latinoamericanas.

 Representa a los chicos que viven en situaciones de pobreza, 

que habitan casas humildes o viviendas de chapa y cartón. 

Sus padres trabajan en fábricas o talleres,

hacen changas para mantener a sus familias.

 Sus madres trabajan en la costura o limpiando casas.

 La situación de exclusión y pobreza 

 se ha acentuado desde los años 60, cuando nació el personaje,

 hasta nuestros días.

 Muchas de las fábricas han cerrado,

 los padres de los Juanito se han convertido en desocupados.

Es retratado por Berni con una mirada de denuncia social y una enorme poesía. Juanito juega, viaja, se relaciona con los animales, saluda a los astronautas que pasan por su barrio, se emociona con las mariposas y los barriletes, festeja una Navidad pobre (pero Navidad al fin), aprende a leer, pesca, etc. Según el propio Berni, Juanito es un "chico pobre, pero no un pobre chico, porque tiene sus ojos cargados de porvenir". El pintor desea para él un cambio profundo y una realización humana plena. Los Juanito Laguna son homenajeados por el gran artista introduciendo en la obra la basura de la sociedad industrial que suele rodear a esos niños en su hábitat cotidiano. Así, el artista convierte en belleza la desventura y en testimonio de enorme dramatismo la vida de Juanito, realizando una apelación sensible acerca de sus derechos y su completa inclusión social.

 

http://coleccion.educ.ar/coleccion/CD5/contenidos/docentes/recursos/2sobre-berni.html
http://www.malba.org.ar/web/descargas/Berni.pdf

El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar. En español es recomendable utilizar la palabra colaje, de la que ya existe el derivado bricolaje, pues según la RAE las palabras provenientes del francés que acaben en "age" deben de españolizarse en "aje".

En pintura, un collage se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla, está en discusión si fue primero Picasso o Georges Braque. El primero había pegado fotografías a sus dibujos en fechas tan tempranas como 1899, y en la primavera de 1912 incorporó hule en forma de rejilla a su citada pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla. Pero el segundo realizó a finales del verano de aquel año los primeros papiers collés al incorporar a sus obras recortes de papel pintado comercial que imitaba madera, uno de cuyos ejemplos es Tête de femme(1912). En aquel momento, los dos artistas se habían instalado en Sorgues, si bien Picasso se encontraba de viaje en París cuando Braque compró el papel y realizó estas obras. A su vuelta Picaso se entusiasmó con el descubrimiento de su amigo y los dos se lanzaron a introducir en sus pinturas recortes de diarios o revistas, etiquetas de licores o cigarrillos, y también papeles coloreados. Juan Gris rápidamente entendió la potencia del hallazgo y lo empleó también. El Futurismo lo adaptó también sin problemas -hay ejemplos de Carlo Carrà y Giacomo Balla- y los dadaístas multiplicaron sus posibilidades expresivas y conceptuales de la mano de Hans Arp, Marcel Duchamp, Hanna Hoch, Kurt Schwitters o George Grosz. De hecho, los dadaístas berlineses, que reivindicaban para sí mismos la denominación de «montadores» frente a la épica del «artista», se consideran los inventores del fotomontaje, una técnica realizada a partir de la fotografía en combinación o no con la tipografía impresa, en la que los vanguardistas rusos, como El Lissitzky, Aleksandr Ródchenko o Solomon Telingater, fueron auténticos maestros.

Del collage se depuró un principio previo o técnica cuyo primer creador fue al parecer el dadaísta Marcel Duchamp: el «objeto encontrado», según la cual cualquier cosa que elige un artista es sacralizada como «arte», desde una piedra que llama su atención en un camino a una imagen que le gusta en una revista. De ahí a la amalgama de «objetos encontrados» o collage hay sólo un paso.

El collage ha sido usado, pues,en las vanguardias históricas de principios del siglo XX: Futurismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, Constructivismo... Artistas plásticos que frecuentemente han usado esta técnica incluyen a Max Ernst, Juan Gris, Georges Braque, Marcel Duchamp, Man Ray, Raoul Hausmann, Antoni Tàpies, Jasper Johns y el artista mexicano Alberto Gironella. Asimismo es una técnica habitualmente empleada por los creadores del Arte correo en la difusión de sus trabajos. Existen nuevos grupos literarios que están implementando el collage colectivo como técnica de composición de textos.

http://grabadoresargentinos.blogspot.com.ar/2011/02/antonio-berni.html

http://www.pinturayartistas.com/dedondevenimos-quienessomos-adondevamos/

Paul Gauguin

(París, 1848 - Atuona, Polinesia francesa, 1903) Pintor y escultor francés. Hijo de un periodista y con sangre peruana por parte de madre, tras el golpe de Estado de Napoleón III (1851), huyó con sus padres a Lima. Cuando no era todavía más que un adolescente, Paul Gauguin se hizo a la mar; en 1871 regresó a París y entró a trabajar en una empresa financiera de la capital.

En esta época Paul Gauguin empezó a desarrollar un fuerte interés por el arte que le condujo a tomar clases de pintura y a reunir una impresionante colección de obras impresionistas que comprendía trabajos de Manet, Cézanne, Monet y Pissarro. En 1875 trabó conocimiento personal con este último y empezó a trabajar con él; resultado de tan fecunda colaboración fue la invitación a participar en la quinta Exhibición Impresionista de 1880, que sería reiterada en los dos años siguientes.

En 1883, su creciente interés por la pintura se unió al desplome de la Bolsa parisina para conducirle a tomar la decisión de dedicarse íntegramente a la actividad artística. Al año siguiente se trasladó a Copenhague, residencia familiar del padre de su esposa, en busca de apoyo económico, pero su empeño fracasó rotundamente y poco después abandonaría a esposa e hijos.

A partir de ese momento Gauguin vivió en la penuria, rechazado por una sociedad que con anterioridad le había abierto los brazos y que en breve iba a aborrecer. Entre 1886 y 1888 su obra experimentó un giro radical, cuyo origen cabe buscar en dos experiencias vitales de gran importancia: su encuentro con Van Gogh y su primer viaje

a la Martinica.

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte

http://www.educacionplastica.net/ilusiones.htm

Arte efímero

Se denomina arte efímero:

 a toda aquella expresión artística concebida bajo un concepto de fugacidad en el tiempo, de no permanencia

 como objeto artístico material y conservable. Por su carácter perecedero y transitorio, el arte efímero

 no deja una obra perdurable, o si la deja —como sería el caso de la moda— ya no es representativa del

 momento en que fue creada. En estas expresiones es decisivo el criterio del gusto social, que es el que

 marca las tendencias, para lo cual es imprescindible la labor de los medios de comunicación,

 así como de la crítica de arte.¹

Independientemente de que cualquier expresión artística pueda ser o no perdurable en el tiempo,
 y que muchas obras concebidas bajo criterios de durabilidad puedan desaparecer en un breve lapso de tiempo
 por cualquier circunstancia indeterminada, el arte efímero tiene en su génesis un componente de transitoriedad,
 de objeto o expresión fugaz en el tiempo. Es un arte pasajero, momentáneo, concebido para su consunción
 instantánea. Partiendo de este presupuesto, se denominan artes efímeras a aquellas cuya naturaleza es la de
 no perdurar en el tiempo, o bien aquellas que cambian y fluctúan constantemente.
 Dentro de ese género pueden considerarse artes efímeras a expresiones como la moda, la peluquería,
 la perfumería, la gastronomía y la pirotecnia, así como diversas manifestaciones de arte corporal como
 el tatuaje y el piercing. También entrarían dentro del concepto de arte efímero las diversas modalidades
 englobadas en el llamado arte de acción, como el happening, la performance, el environment y la instalación,
 o bien del denominado arte conceptual, como el body-art y el land-art, así como otras expresiones de
 cultura popular, como el grafiti. Por último, dentro de la arquitectura también hay una tipología de construcciones
 que se suelen expresar como arquitectura efímera, ya que son concebidas como edificaciones transitorias
 que cumplen una función restringida a un plazo de tiempo.²

• Artista argentina. Marta Minujin
• Babel, la torre con 30.000 libros
• Estas obras fugaces, breves,precarias, frágiles, perecederas muchas veces generan una especie
• de relación lúdica con el espectador, a través de muchas variables:
• . El recurso del color
• . La posibilidad de caminar dentro de la instalación y recorrerla
• . Propiciar la observación de la obra con lentes tridimensionales y permitir que
•  el público participe en la elaboración de la obra.

 Marta Minujin, define este concepto como " una expresión plástica de carácter breve y fugaz"

Arte para las masas, que es de corta duración,

Arte fungible que desaparece o se consume delante del espectador"

http://www.martaminujin.com/portal/

¿QUÉ ES PERFORMANCE?

Performance es un anglicismo tomado del verbo inglés “to perform” que significa fundamentalmente representar,
 interpretar, actuar.

La performance es ,sin duda, un arte transgresor y polémico. Un arte transgresor que frecuenta la crítica,
 se mueve en la calle y que a veces se prostituye para entrar en galerías y museos.

El concepto de performance no es ni más ni menos, que arte actuado. Y sin embargo no es escena,
 aunque desde las décadas de los sesenta y setenta, muchos de sus activos, de sus promotores e
incluso muchos de sus detractores, se hayan empeñado en catalogarlo como tal.

Hoy en día, la performance es el gran hermano ,de las expresiones artísticas, criticado e incomprendido-
 a mismo tiempo- por todos los agentes cercanos a la cultura. Y que sin embargo , y como contrapuctum,
 se ha establecido en terrenos tales como la publicidad y el marketing, y que no solo participa de dichas formas,
 sino que incluso ha llegado a convertirse en la premisa de algunas de las nuevas formas de publicidad, entre las
 que podemos encontrar la “Performance Marketing”, por citar alguna de varias. Una nueva forma de publicidad
 que avarata costes, implica al propio cliente potencial y extiende el tráfico y el alcance de una marca de una
 forma simple y de un proceso basado en relaciones sociales primarias.

Sin embargo, si decidimos desprendernos de todas estas nuevas formas y totems aceptados: la Performenca
 no es más que la acción, pero una acción escrita con letras mayusculas. Es tan solo una disciplina artística
 donde las únicas normas y reglas establecidas son un previa concepción adquirida sobre el espacio, el tiempo
 y el cuerpo, y un trabajo de investigación artística sobre el carácter presencial denro del terreno de las artes
 plásticas.

Lo que en castellano conocemos como performance, es en realidad mucho más que el adquirido anglicismo
 “to perform” cuyo significado primario y básico es acción y cuyo ambito de importancia son las artes escénicas.

La performance es en realida una accion, que por su carácter presencial puede mutar en diferentes formas;
dentro de las que cabe desde complejos proyectos tecnológicos, hasta la más sencilla manifestación humana
 sin necesidad de ningún artificio añadido.

Esencialmente la performance es una investigación creativa en la que tomamos como premisa, además de la
 idea creativa propia, los conceptos de Tiempo, Espacio y Cuerpo, para llegar a n resultado, que de uno u otro
 modo representa la ruptura de “Un Hecho Social”.